Archivo de la categoría: Colores

Atenea y Hefesto: Los dos en nosotros.

Por Ananda Kentish Coomaraswamy

En la producción de cualquier cosa hecha con arte, o en el ejercicio de cualquier arte, están implicadas simultáneamente dos facultades, respectivamente imaginativa y operativa, y libre y servil.
La primera consiste en la concepción de alguna idea en una forma imitable, y la segunda, en la imitación (mimesis) de ese modelo invisible (paradeigma) en un material determinado, que es, así, informado.
La imitación, el carácter distintivo de todas las artes, tiene, por consiguiente, un doble aspecto: por una parte, el trabajo del intelecto  y, por otra, el de las manos.

Estos dos aspectos de la actividad creadora corresponden a los “dos en nosotros”, esto es, nuestro Sí espiritual o intelectual y nuestro Ego sensitivo y psicofísico, trabajando juntos.
La integración de la obra de arte dependerá de la medida en que el Ego pueda y quiera servir al Sí, o, si el patrón y el operario son dos personas distintas, del grado de su entendimiento mutuo.

La naturaleza de estas dos facultades, que son respectivamente la causa formal y la causa eficiente de la producción de obras de arte, se define claramente en la relación que hace Filón de la construcción del Tabernáculo: “Esta construcción le fue claramente explicada a Moisés en la Montaña por declaraciones divinas.

Él vió con el ojo del alma las formas inmateriales de las cosas materiales que había que hacer, y esas formas tenían que ser reproducidas como imitaciones sensibles, por decirlo así, del gráfico arquetípico y de los modelos inteligibles … Así, el tipo del modelo se imprimió secretamente en la mente del profeta como algo pintado y moldeado secretamente en formas invisibles sin materia; y entonces la obra terminada fue elaborada con arreglo a este tipo imponiendo el artista esas impresiones respectivamente en las sustancias materiales apropiadas”; y en términos más generales por S. Buenaventura, quien señala que “la obra de arte procede del artista con arreglo a un modelo existente en la mente; el artista descubre antes de producir, y luego produce según ha predeterminado.

Es más, el artista produce la obra externa con la mayor semejanza posible al modelo interior”. Seguir leyendo Atenea y Hefesto: Los dos en nosotros.

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Caravaggio, el pintor amado que se odió a sí mismo.

Texto Juan Narbona

Si Caravaggio hubiera muerto 400 años más tarde, lo habría hecho con una sonrisa. En el cuarto centenario de su fallecimiento, miles de personas esperaron en fila desde la medianoche hasta el amanecer para contemplar seis pinturas del maestro expuestas en el museo Borghese de Roma. En 1610, en una noche similar, el pintor había muerto solo y enfermo, oyendo como único aplauso las olas del mar y aferrado con fuerza al único lienzo que aún no le habían robado.

Michelangelo Merisi Da Caravaggio (1571-1610) se ha convertido en uno de los pintores más apreciados en el siglo XXI. A una pintura magistral se une una vida intensa y polémica: fue un genio incomprendido, un loco violento, un hombre atormentado y un triste perseguido. Finalmente, cansado de huir, los últimos años de su vida los pasó buscando un perdón que entonces se le negaba y que ahora, a cuatro siglos de su muerte, parece haber obtenido.
Caravaggio fue el enfant terrible de la pintura italiana barroca. Pocos autores han gritado tan fuerte con los pinceles su propio conflicto personal. Aunque no haya dejado más que una cuarentena de pinturas, cada una de ellas revela una visión muy personal del arte, una lucha interior, un debate entre luz y oscuridad, y un espíritu innovador capaz de mezclar en una misma escena santidad divina y miseria humana. Seguir leyendo Caravaggio, el pintor amado que se odió a sí mismo.

Kandinsky: De lo espiritual en el arte

Wassily Kandinsky “De lo espiritual en el arte” . Introducción

Cualquier creación artística es hija de su tiempo y, la mayoría de las veces, madre de nuestros propios sentimientos.
Igualmente, cada periodo cultural produce un arte que le es propio y que no puede repetirse. Pretender revivir principios artísticos del pasado puede dar como resultado, en el mejor de los casos, obras de
arte que sean como un niño muerto antes de nacer.
Por ejemplo, es totalmente imposible sentir y vivir interiormente como lo hacían los antiguos griegos. Los intentos por reactualizar los principios griegos de la escultura, únicamente darán como fruto formas semejantes a las griegas, pero la obra estará muerta eternamente.

Alegoría del río Nilo

Una reproducción tal es igual a las imitaciones de un mono.
A primera vista, los movimientos del mono son iguales a los del hombre. El mono puede sentarse sosteniendo un libro frente a sus ojos, dar vuelta a las páginas,ponerse serio, pero el sentido de estos movimientos le es ajeno totalmente.

Hay, a pesar de esto, otra igualdad exterior de las formas artísticas que se asienta en una gran necesidad. La igualdad de la aspiración espiritual en todo el medio moral-espiritual, la aspiración hacia metas que, perseguidas primero, fueron luego olvidadas; es decir, la igualdad del sentir interno de todo un periodo puede llevar lógicamente al empleo de formas que en un periodo anterior sirvieron positivamente a las mismas aspiraciones.

Así nació parte de nuestra simpatía, nuestra comprensión y nuestro parentesco espiritual con los primitivos. Como nosotros, esos artistas puros buscaron reflejar en sus obras únicamente lo esencial: la renuncia a lo contingente apareció por sí sola.
A pesar de su valor, este punto importante de unión espiritual no es más que un aspecto.
Nuestro espíritu, que después de una larga etapa materialista se halla aún en los inicios de su despertar, posee gérmenes de desesperación, carente de fe. falto de meta y de sentido. Pero aún no ha terminado completamente la pesadilla de las tendencias materialistas que hicieron de la vida en el mundo un penoso y absurdo juego. Seguir leyendo Kandinsky: De lo espiritual en el arte

Surrealismo gráfico: Nelson Romero

– ¿Cuál ha sido su formación en arte?
– Yo me considero autodidacta, con todo lo relativo que puede tener ese concepto. Pero tuve un pasaje fugaz de un año por el Museo de San José. Allí estaba el profesor Osvaldo Leites, un muy buen pintor de la escuela de Torres García, y quería que yo fuera retratista al óleo. Pero a mí ya me gustaba el surrealismo, el realismo mágico y sobre todo la parte gráfica, y he sido coherente en desarrollar la disciplina del dibujo como disciplina válida, porque el dibujo siempre ha sido considerado como un segundón de la pintura.

De una entrevista realizada por “EL PUEBLO” de Salto, con motivo de una muestra de sus trabajos “Serie Negra” en noviembre de 2011.
Puede leerse completa aquí.  Fuente: hurgador.blogspot.com.uy

“El primer encuentro con Hugo (Nantes) y 40 años después”

Por Nelson Romero Diario San José Hoy (Uruguay, 2009).

Fue memorable y terrible aquel día que me animé a llegar hasta el taller de Hugo.

Hacía poco tiempo que me había venido desde el campo, y a los diecisiete años había juntado en carpetas muchos dibujos hechos pacientemente, tratando de imitar a los grabadores alemanes del Siglo XV.

Un día me decidí y llamé a su puerta. Iba con vergüenza, con esa timidez de animal asustado, propia de los paisanos antiguos. Pero confieso que guardaba la esperanza de deslumbrarlo con alguna de mis obras, porque había dedicado horas y días y años para dibujar abigarradas alegorías anacrónicas, con puntillismos y prolijos entretejidos de líneas a pluma.

Cuando se abrió la puerta, apareció un hombre fornido, desprolijo en el vestir, con las manos manchadas de pintura, y envuelto en un fuerte tufo de tabaco negro.

-¿El maestro Hugo Nantes? -tartamudeé.

-¡Déjese de joder con lo de «maestro» -me contestó con un vozarrón y una mirada insostenibles-. ¡Con que me diga Nantes es suficiente! ¿Qué anda precisando? Seguir leyendo Surrealismo gráfico: Nelson Romero

Robert Crumb al habla

Entrevista realizada por Ted Widmer a Robert Crumb que fue publicada en The Paris Review.

Traducción: entrecomics.com

Empecemos con Génesis. ¿De dónde parte este libro?

Bueno, la verdad es un poco estúpida, en realidad. Lo hice por el dinero y rápidamente empecé a arrepentirme. Fue una cantidad de trabajo enorme -cuatro años de trabajo y apenas si mereció la pena. Fui demasiado compulsivo con el detalle.
En el cómic, tienes que desarrollar algún tipo de atajo. No puedes hacer que cada dibujo sea extremadamente detallado. El lector medio en realidad no quiere todo este detalle, interfiere con la fluidez del proceso de lectura. Pero no puedo evitarlo -desorden obsesivo-compulsivo.
Pero también parece un trabajo hecho con amor.Intenté ser respetuoso. Decidí no burlarme del texto, no introducir ningún tipo de material gracioso. Varias veces estuve tentado. Pero después lo borré porque distrae del texto. El propio texto es tan apasionante que simplemente ilustrarlo ya es suficiente. Pero no vas a agradar a la gente que cree que la Biblia es la palabra de Dios. Encontrarán fallos. A los judíos no les gustará porque representas físicamente a Dios. Y el hecho de que muestre a gente practicando el sexo, eso elimina a un montón de cristianos.
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Tomi Ungerer: ilustrador de cuentos para niños renegados

Tomi UngererTomi Ungerer es una de las figuras claves de la ilustración contemporánea. Ganador del Premio Hans Christian Andersen en 1998, el “Pequeño Premio Nobel” de la literatura infantil y juvenil, Ungerer logró con su obra ofender y facinar a partes iguales.

El documental de Brad Bernstein narra la historia de este genio excéntrico, emigrante en la América de los años 50, dibujante publicitario de éxito y uno de los autores e ilustradores para niños más célebres de Nueva York. Ungerer fue también un fiero opositor a la Guerra de Vietnam y sus dibujos contestatarios dieron la vuelta al mundo. El documental traza la vida del artista a partir de sus caricaturas, dibujos infantiles, carteles contra la guerra, obras de literatura erótica o campañas publicitarias, acompañados de imágenes de archivo, fotografías y entrevistas con él y sus contemporáneos.

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Milo Manara: Sexo, drogas y pintura.

Acaricia mi ensueño

Sin duda, fuera del circuito especializado del cómic, Milo Manara es el dibujante de historietas más famoso del mundo. Trabajó con Fellini y Hugo Pratt, materializó en tinta y papel las fantasías de la generación del ‘68 y dibujó cómics políticos e infantiles. Pero son sus increíbles mujeres, envueltas en historias exóticas y lisérgicas, las que construyeron su merecida fama. De paso por Buenos Aires, el italiano repasa una vida llena de curvas que lo llevó de la revolución, Picasso y el hippismo a ser convocado para dibujar una versión de X-Men protagonizada exclusivamente por mujeres.

Por Martín Pérez

Sexo, drogas y pintura. Al escuchar la pregunta sobre si su juventud estuvo pautada por esa remozada trilogía iniciática, hay que ver la cara del dibujante italiano Milo Manara.

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La irreverencia de Clovis Trouille

Clovis Trouille (1889-1975). Foto de Ornella Volta en 1962.

“El fracaso comercial es para mí, espiritualmente, un éxito, y la venta, un triste signo de conformismo burgués, al haber considerado siempre mi pintura como anarquizante, anticuada y anticomercial”

Archivo: El País en ocasión de la exposición del artista en Amiens
OCTAVI MARTI / Amiens / 21 AGO 2007

Amiens expone la divertida y provocadora obra de su pintor menos ortodoxo

Hay artistas que nunca logran que les tomen en serio. Porque no lo merecen, porque ellos mismos no lo hacen o porque su vida diaria parece relativizar su condición de artista. Es el caso de Clovis Trouille, pintor surrealista al que ahora, y hasta el 26 de agosto, recuerdan en Amiens en el Musée de la Picardie presentando 23 de sus pinturas y un número importante de sus dibujos y collages.

Trouille nació en la minúscula población de La Fére en 1889 y estudió en la escuela de Bellas Artes de la vecina Amiens. Empezó ahí a ejercitarse como ilustrador publicitario o colaborando con sus dibujos en la prensa local para instalarse definitivamente en París en 1920. En la capital trabajará para una misma empresa, Pierre Imans, que fabrica maniquíes para escaparates o personajes para atracciones de feria. Trouille se ocupará de maquillar y decorar esas figuras, en la mayoría de los casos femeninas. Seguir leyendo La irreverencia de Clovis Trouille

El Arte Psicótico

El arte y la locura

Creación, imágenes insondables y mundo psicótico. Misterios de la mente y el alma que el hombre a lo largo de la historia ha intentado plasmar a través de la creación artística. Secretos y enigmas que la mente esconde en sus más recónditos y aún desconocidos rincones.

Dibujos, pinturas, frescos, graffitis, collages, objetos y esculturas… cualquier materia, medio o soporte es utilizado en una carrera creativa desenfrenada por el artista en algunos casos al borde del más desenfrenado y genial abceso creativo al borde del paraxismo.
Desde el inicio de la historia del hombre han marchado entrelazados la magia, la locura y el arte con un mismo objetivo: el lograr descubrir los secretos que esconde la naturaleza y descubrir nuevas interpretaciones y un sentido pleno a ella misma.

Jean Dubuffet Seguir leyendo El Arte Psicótico

Bleu, Blanc, Rouge.

El cuerpo como cultura

Julián García González

El cuerpo liberado

En el momento culminante de la Revolución francesa, el periódi­co más radical de París declaró que no podía haber una verdade­ra revolución si el pueblo no la sentía en su cuerpo. «Algo que nunca debemos cansarnos de repetir al pueblo –decía el periódico– es que la libertad, la razón, la verdad son… no dioses… sino parte de sí mismo». Sin embargo, cuando la Revolución francesa intentó traer a la vida al cuerpo en las calles de París, sucedió algo completamente inesperado. Las multitudes de ciudadanos caen frecuentemente en la apatía. En parte, los espectáculos de violencia les embotaban los senti­dos; en parte, los espacios revolucionarios creados en la ciudad con fre­cuencia no lograban estimular al pueblo. En una época de agitación, cuando menos se esperaba, la multitud movilizada de la ciudad fre­cuentemente se detenía, se sumía en el silencio y se dispersaba.

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